sábado, 21 de marzo de 2015

AI-MITSU

DATOS BIOGRAFICO-ARTISTICOS

AI-MITSU NACIÓ EL AÑO 1907 EN LA PREFECTURA DE HIROSHIMA JAPON Y MUERE EL EL AÑO 1946, EN SHANGHAI, EN LA REPUBLICA POPULAR CHINA, BAJO EL NOMBRE ISHIMURA NICHIRO. MÁS TARDE ADOPTÓ EL NOMBRE AIKAWA MITSURO, QUE FINALMENTE REDUJO A AI-MITSU. SE MUDÓ A OSAKA EN 1923 Y COMENZÓ A ESTUDIAR PINTURA, PERO AL AÑO SIGUIENTE SE TRASLADÓ A TOKIO Y COMENZÓ SUS ESTUDIOS DE PINTURA EN LA TAIHEIYOGAKAI KENKYUJO. EN 1939 AYUDÓ A FORMAR LA BIJUTSU BUNKA KYOKAI CON OTROS PINTORES DE ESTILO SURREALISTA. EN 1944 FUE RECLUTADO POR EL EJÉRCITO Y FUE EN CHINA, CUANDO TERMINÓ LA GUERRA.

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MURIÓ DE DESNUTRICIÓN EN SHANGHAI EN 1946.
EL PRIMER PLANO DE UN AVE ESTÁ OCUPADO POR FLORES ROJAS Y PLANTAS FRONDOSO, MÁS ALLÁ DEL CUAL SE DESTACAN LAS DIFERENTES PLANTAS. RODEADO DE ESTOS ES UN PÁJARO MUERTO. LA CANAL SE PUEDE VER QUE SIMBOLIZABAN LA MUERTE Y LA VIDA EXUBERANTES PLANTAS. PERO, LAS VENAS ROJAS QUE SE VEN TANTO COMO LOS VASOS SANGUÍNEOS DE UN ANIMAL Y LAS VIDES DE PLANTAS, CONFUNDEN LA DISTINCIÓN ENTRE LAS AVES Y LAS PLANTAS, CREANDO ASÍ UN AMBIENTE EXTRAÑO EN EL QUE LA VIDA Y LA MUERTE ESTÁN UNIDOS COMO UNO SOLO. PARECIENDO DIBUJAR TANTO EN EL SURREALISMO Y EL ARTE CLÁSICO CHINO, ESTA PINTURA REPRESENTA UNA VISIÓN OBTENIDO POR UN ARTISTA EN UN TIEMPO DE GUERRA.

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EXPOSICIONES QUE LLEVO A CABO AI-MITSU

PAPERS OF SURREALISM, NÚMERO 8, PRIMAVERA 2010
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AI-MITSU, MUSEO NACIONAL DE ARTE MODERNO DE TOKIO 30 MARZO-27 MAYO 2007,
MIYAGI MUSEUM OF ART, 9 JUNIO-29 JULIO, 2007, HIROSHIMA PREFECTURAL ART
MUSEO, 10 AGOSTO HASTA 8 OCTUBRE 2007
TARO OKAMOTO Y SUS CONTEMPORÁNEOS EN LA ERA POSTERIOR A LA GUERRA, 1946-1954,
MUSEO DE ARTE DE SETAGAYA, TOKIO, 24 MARZO-27 MAYO 2007
TARO OKAMOTO, 1954-1970: EL INSTITUTO DE ARTE CONTEMPORÁNEO A TRAVÉS DE LA EXPO
'70, TARO OKAMOTO MUSEUM OF ART, KAWASAKI, JAPÓN, 21 ABRIL-1 JULIO 2007

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ESTAS TRES ÚLTIMAS EXPOSICIONES DEDICADAS A DOS ARTIS -TAS CONTRASTANTES DAN UN SENTIDO DE LA FORMA Y PRO FUNDIDAD DE LA INTEGRACIÓN DEL SURREALISMO EN LA CULTURA JAPONESA EN EL SIGLO XX. AI-MITSU FUE TAL VEZ EL MÁS IMPORTANTE DE LOS PINTORES EN EL MEDIO DEL SURREA -LISMO EN JAPÓN EN, LOS AÑOS TREINTA (O POR LO MENOS SI NO LO ERA, CUALQUIER OTRO RECLAMANTE TIENE MUCHO QUE VIVIR HASTA). CIERTAMENTE ÉL ERA, EL QUE TENÍA MÁS INTUITIVAMEN- TE COMPRENDIÓ EL MENSAJE DEL SURREALISMO EN SU EXTENSIÓN MÁS AMPLIA, AUNQUE LA INFLUENCIA DIRECTA DEL SURREALISMO EN SU OBRA PUEDE SER DISCUTIBLE.

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NACIDO EN 1907 EN HIROSHIMA, SU NOMBRE DE PILA ERA ISHI -MURA NICHIRO. ÉL ASUMIÓ EL NOMBRE DE AI-MITSU CUANDO COMENZÓ A CONVERTIRSE EN UN ARTISTA SERIO, AL PARECER, UNA ABREVIATURA DE LA PRIMERA, SEUDÓNIMO QUE HABÍA TOMADO, AIKAWA MITSURU. ES UN NOMBRE CON UN SIGNIFICADO COMPLEJO, QUE TANTO. REVELA ALGO DE SUS OBJETIVOS Y DE SU AFINIDAD SURREALISTA: 'MITSU' SIGNIFICA LUZ, Y 'AI' MÁS
COMÚNMENTE SIGNIFICA AMOR. SIN EMBARGO, EL CARÁCTER CHINO QUE UTILIZA TIENE UNA MÁS COMPLEJA, Y OSCURO, EL SENTIDO. ESTO SIGNIFICA OSCURIDAD, PERO DE UNA MANERA MUY ESPECÍFICA; UNA OSCURIDAD QUE SE CREA POR LOS ELE - MENTOS, POR EJEMPLO, EN UN DÍA NUBLADO CUANDO NO HAY UNA RUPTURA EN LAS NUBES, O EN EL BOSQUE DONDE LA LUZ ES BLO -QUEADA POR LA PROFUSIÓN DE ÁRBOLES.

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SUS INTENCIONES POR LO TANTO CASI PARECEN SE ESTABLECE  - CERÁN EN ESTE NOMBRE QUE ESCOGIÓ PARA SÍ MISMO, LO QUE DA A ENTENDER UN HILO CONTRADICTORIO QUE CORRE, A TRAVÉS DE TODA SU OBRA, CAMINOS QUE NOS LLEVAN A LO LARGO DE DOS DIRECCIONES A LA VEZ, EN CONTRASTE QUE SE ENCUENTRAN
DENTRO DE LA LUZ, PERO ES UNA LUZ QUE SE OSCURAMENTE OSCURECIÓ O INCLUSO CERRÓ. HAY UNA ESPECIE DE AUTOMATIS- MO PRIMARIA EN JUEGO EN SU MODO DE PINTURA: EL TRABAJO A TRAVÉS DE OBSERVACIÓN HASTA QUE SE CONVIERTE EN INSPIRA- CIÓN. EL PROCEDIMIENTO PARECE ANÁLOGA A LA UTILIZADA POR
RAYMOND ROUSSEL EN EL REINO DE LAS PALABRAS; DONDE TRA -BAJÓ ROUSSEL PALABRAS UNA Y OTRA VEZ HASTA, LANZARON UN SECRETO OSCURO, AI-MITSU EXCAVADO A TRAVÉS DE LAS CAPAS DE PROYECCIONES, QUE PERSONAJES Y OBJETOS SE PROTEGEN DEL MUNDO CIRCUNDANTE HASTA QUE LA IDENTIDAD DE LA COSA OBJETO DE ESCRUTINIO FUE CUESTIONADO Y PUESTO DE MANI -FIESTO NUEVAS POSIBILIDADES.

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SU MEDIO NATURAL ERA EL BODEGÓN, UN GÉNERO EN SÍ MISMO CONTRADICTORIO PECULIAR DE LA PINTURA, QUE
PARECE QUE LE HAN ATRAÍDO PRECISAMENTE POR LA CONTRADICCIÓN VIDA-MUERTE EN SU CORAZÓN. SU
OBRAS SON ASÍ TAN ALEJADO COMO UNO PUEDE IMAGINAR DE LA MAYOR PARTE DE LO QUE VIENE BAJO ESA RÚBRICA

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© MICHAEL RICHARDSON, 2010
PAPERS OF SURREALISM, NÚMERO 8, PRIMAVERA 2010
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EN EL ARTE MODERNO. LA 'NATURALEZA MUERTA' AQUÍ ES PRECISAMENTE ESO, UNA VIDA QUE SE HA HECHO TODAVÍA, FIJA EN
MOVIMIENTO, PARALIZADO EN UN MOMENTO DE LA TRANSFIGURACIÓN, ATRAPADO ENTRE LA VIDA Y LA MUERTE, O DE VITAL
VIVO EN LA MUERTE. AQUÍ ES DONDE SU AFINIDAD CON EL SURREALISMO ES MÁS EVIDENTE; PODRÍAMOS VER A SU
TRABAJAR INCLUSO COMO UNA REPRESENTACIÓN DEL PUNTO SUPREMO, O TAL VEZ DE EL PUNTO DE
DISOLUCIÓN CUANDO LA VIDA SE VUELVE MÁS VIDA QUE LA VIDA DEBIDO A LA PROXIMIDAD DE LA MUERTE; ES LA VIDA
AFIRMADO EN EL PUNTO DE LA MUERTE. ESTE ES EL MOMENTO ASOCIADO POR BATAILLE CON LA EXPERIENCIA
DEL EROTISMO (Y UNA OBRA DE AI-MITSU DE, LOTUS Y EL SOL (1938 - 1939) CASI PODRÍAN SER UN
ILUSTRACIÓN DE BATAILLE, AUNQUE ES MUY POCO PROBABLE QUE ÉL PODRÍA HABER TENIDO NINGÚN CONOCIMIENTO DE
ENFOQUES DE TRABAJO BATAILLE), PERO AI-MITSU DESDE EL PUNTO DE VISTA CONTRARIO A BATAILLE; DE HECHO
PODRÍA SER MÁS EXACTO DECIR QUE SU OBRA REVELA LA MUERTE DE ESTAR PRESENTE INCLUSO DENTRO DE LA VIDA.
ADEMÁS, LO QUE PARA BATAILLE SÓLO PODÍA SER EXPERIMENTADO DE MANERA IMPERFECTA (ES DECIR, HASTA QUE EL REAL
MOMENTO DE LA MUERTE), POR AI-MITSU YA ESTABA PRESENTE EN LA EXPERIENCIA DE LA VIDA MISMA: TODOS LOS VIVIENTES
ASUNTO ESTÁ EN UN CONSTANTE ESTADO DE TRANSFORMACIÓN, VIVIENDO Y MURIENDO EN CADA MOMENTO DE SU
LA EXISTENCIA.
LA PINTURA PARA EL QUE ES MÁS CONOCIDO, Y QUE SUPUESTAMENTE MARCA SU VÍNCULO CON EL SURREALISMO,
ES PAISAJE CON UN OJO (1938), QUE SUPERFICIALMENTE RECUERDA ALGUNAS DE LAS PINTURAS DE MAX ERNST DE
EL MISMO PERÍODO Y, SIN DUDA, AI-MITSU TENÍA CONOCIMIENTO DE LA OBRA DE ERNST, PERO ES UNA PINTURA QUE
MUCHO EMERGE DE SUS PROPIAS PREOCUPACIONES Y EL PARECIDO CON ERNST PARECE MENTIR MÁS
EN UNA PREOCUPACIÓN COMÚN PARA EXAMINAR LA MATERIALIDAD DE LAS COSAS - SONDEAR SU APARICIÓN HASTA
QUE REVELAN CARACTERÍSTICAS, O UN DESTINO, QUE DE OTRO MODO SERÍA DESCONOCIDO - QUE EN CUALQUIER
INFLUENCIA ESTILÍSTICA POCO PROFUNDA.
PARA VER ESTA PINTURA, COMO LOS CRÍTICOS TIENDEN A HACER, COMO ESTAR SEPARADOS DEL RESTO DE SU OBRA, MARCANDO
UN PUNTO EN SU DESARROLLO QUE REVELA UNA CONVERGENCIA CON EL SURREALISMO QUE PRONTO
CRECIÓ MÁS, ME PARECE QUE SER UN ERROR. HAY UNA INSPIRACIÓN COMÚN EN TODA SU OBRA
QUE, POR TANTO, DEBE TENERSE EN CUENTA EN SUS PROPIOS TÉRMINOS COMO UN TODO Y NO COMO UN
CONCATENACIÓN DE DIFERENTES INFLUENCIAS.
VISTO DESDE ESTA PERSPECTIVA, PAISAJE CON UN OJO SE ERIGE COMO UNA ARTICULACIÓN ANVERSO DE UNA DE
LOS TEMAS CENTRALES DE AI-MITSU. AQUÍ UN PAISAJE QUE PARECE MUERTO ES LLEVADO CON VIDA A TRAVÉS DE LA
REVELACIÓN DENTRO DE ELLA DE LO QUE PARECE SER UN OJO VIVO. SIN EMBARGO, ESTE EFECTO SORPRENDENTE PARECE
SER POCO MÁS QUE UNA REPRESENTACIÓN EXPLÍCITA DE LO QUE SE TRANSMITE DE MANERA MÁS SUTIL EN OBRAS COMO FLOR
JARDÍN (1940), EN LA QUE UNA MARIPOSA EN VUELO, SE CONVIERTE EN LA FUERZA DE LA VIDA - INCLUSO EL ALMA - DE UN
DESCOMPOSICIÓN PANORAMA, O BIRD (1942), EN LA QUE, POR EL CONTRARIO, EL CRÁNEO DE UN AVE PARECE TOMAR
ALIMENTO DE UN JARDÍN FÉRTIL.
AI-MITSU TAMBIÉN PODRÍA SER CONSIDERADO COMO UN PINTOR DE RETRATOS Y RETRATOS DE LA FAMILIA Y LOS AMIGOS SON
ALGO QUE ÉL REGRESÓ A UNA Y OTRA VEZ. SU PRIMER TRABAJO, UN RETRATO DE SU PADRE CREE QUE
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HABER SIDO PINTADO CUANDO TENÍA SÓLO DIEZ AÑOS DE EDAD, YA REVELA UNA NOTABLE CAPACIDAD PARA
ENTRAR EN EL ALMA DE LA MATERIA Y DE EXTRAER PARTE DE SU ESENCIA A TRAVÉS DE LA REPRESENTACIÓN PICTÓRICA.
AÚN MÁS NOTABLE ES QUE PODEMOS DISCERNIR EN ESTE JUVENIL TRABAJAR UNA CONTINUIDAD DEL AFECTO Y
MATIZ CON TRES COMPLEJOS AUTORRETRATOS PINTADOS DURANTE 1943 Y 1944, QUE ESTÁN ENTRE EL
ÚLTIMAS OBRAS DEL ARTISTA. DE ACUERDO CON UNA NOTA EN EL CATÁLOGO, ESTAS ÚLTIMAS OBRAS ERAN POLÍTICOS
DECLARACIONES, RESPUESTAS DEL ARTISTA PARA EL SACRIFICIO DE ARTE A LA MENTALIDAD DE LA GUERRA (EN 1941,
TAKIGUCHI SHUZO Y FUKUZAWA ICHIRO, LOS DOS PRINCIPALES REPRESENTANTES DEL SURREALISMO EN JAPÓN,
HABÍA SIDO DETENIDO COMO SUBVERSIVOS, Y SE REQUIRIÓ QUE LOS ARTISTAS EN GENERAL PARA MOSTRAR
ADECUADAMENTE LOS SENTIMIENTOS PATRIÓTICOS SI NO CONTRIBUYE DIRECTAMENTE AL ESFUERZO DE GUERRA - EL MINISTERIO DE
GUERRA SIQUIERA EMITIÓ UN DECRETO ADVIRTIENDO ARTISTAS QUE SERÍAN NEGADOS CUPONES DE RACIONAMIENTO SI
SEGUIDO PRODUCIENDO LO QUE SE LLAMA "LA PINTURA PARA LA AUTO-SATISFACCIÓN"). EN ESTOS TRES AUTORRETRATOS,
AI-MITSU RETRATA A SÍ MISMO COMO FUERZA CERRADO SOBRE SÍ MISMO, COMO SI HABER ESTADO FÍSICAMENTE
FORZADA NO VER. SON CASI RETRATOS DE UN HOMBRE LA OBLIGACIÓN DE SALIR DE SÍ MISMO. EN ESTE
QUE CONTRASTAN CON LA APERTURA DEL RETRATO DE LA INFANCIA DE SU PADRE, EN LA QUE UNA ESPECIE DIFERENTE
DE SALIDA SE TRANSMITE, UNA PARTIDA DEL PADRE LEJOS DEL NIÑO (EN EL MOMENTO DE LA FOTO
SE HIZO, AI-MITSU YA NO VIVÍA CON SUS PADRES, PERO HABÍA SIDO ADOPTADO POR SU PADRE
HERMANO, Y UNO TIENE UN SENTIDO, COMO SE MIRA A ESTA PINTURA, DEL PADRE EN LA RETIRADA DE LA
NIÑO PINTARLO). DE HECHO SUS RETRATOS SON UNIFORMEMENTE EXPRESIVA Y LLENA DE SUGERENTES
INFERENCIAS DE LA RELACIÓN DEL ARTISTA Y SU TEMA. DEBE HACERSE MENCIÓN PARTICULAR
DE LA MUJER QUE HACE PUNTO (1930), UN RETRATO DE SU ESPOSA DE UN ENCANTO QUE NO SE ENCUENTRA A MENUDO EN CUALQUIER PARTE
ARTE MODERNO.
SUS RETRATOS DE FAMILIARES Y AMIGOS APENAS MUESTRAN CUALQUIER OTRA ACTITUD QUE LA OBSERVABLE EN SU
PINTURAS DE AVES, ANIMALES O FLORES QUE A SU VEZ TAMBIÉN PUEDE CONSIDERARSE COMO RETRATOS CON
UNA CONCENTRACIÓN COMPARABLE Y ATENCIÓN AL DETALLE COMO EL QUE DEDICÓ A LOS SERES HUMANOS.
YA SEA QUE ESTABA PINTANDO ANIMALES, AVES, FLORES O INCLUSO FRUTAS, SENTIMOS QUE NO ESTAMOS VIENDO
LA GENERALIDAD DEL OBJETO PINTADO, PERO EN UNA CONFIGURACIÓN DE SUS PROPIAS CUALIDADES PARTICULARES. SU
OBRAS DE 1942 SON UN BUEN EJEMPLO, ESPECIALMENTE LOS DE MAGNOLIAS Y GLADIOLIS, Y LA
MUY HERMOSA MARIPOSA. POR EL CONTRARIO, EN UNA SERIE DE IMÁGENES DE UN LEÓN (1936) TENEMOS QUE LUCHA
PARA DISCERNIR LA FORMA DEL ANIMAL A MEDIDA QUE SE FORMA MIMÉTICA FUSIONÓ CON SU ENTORNO.
ESTILÍSTICAMENTE, TAMBIÉN, EL TRABAJO DE AI-MITSU ES DE ENORME IMPORTANCIA POR SU COMPROMISO CON AMBOS
ESTILOS OCCIDENTALES Y ORIENTALES DE LA PINTURA. HABÍA ESTUDIADO NO SÓLO EL ARTE TRADICIONAL JAPONÉS
TÉCNICAS, SINO TAMBIÉN LOS DE CHINA, Y ÉL ERA MUY CONSCIENTE DE LOS PELIGROS DE
SUBSUMIR SU OBRA A LO QUE TENÍA EN MUY TEMPRANA EDAD YA SE PERCIBE COMO UNA HEGEMÓNICO
PROCESO DE LA MODERNIDAD OCCIDENTAL, AUNQUE AL MISMO TIEMPO SE NEGÓ A RECHAZAR A AQUELLOS
ELEMENTOS PROVENIENTES DE OCCIDENTE, QUE PODRÍA SER VALIOSO PARA ÉL EN LA REALIZACIÓN DE SUS PROPIOS OBJETIVOS. SU
POR LO TANTO EL TRABAJO CONSERVA IMPORTANCIA COMO EJEMPLO DE UN COMPROMISO CON EL NUEVO EXAMEN DE
TRADICIÓN EN EL CONTEXTO DE LA OCCIDENTALIZACIÓN INVASIVA SIN RENUNCIAR A UN APLAZAMIENTO PURO

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DE LA TRADICIÓN.
AI-MITSU MURIÓ EN 1946 DE UNA ENFERMEDAD QUE HABÍA CONTRAÍDO EN SHANGHAI, MIENTRAS QUE EN LA PARTE DELANTERA, DONDE
QUE HABÍA SIDO ENVIADO DESPUÉS DE HABER SIDO RECLUTADO EN EL EJÉRCITO EN 1944. SÓLO TENEMOS PARTE DE
SU OBRA, YA QUE ESAS OBRAS QUE HABÍA ALMACENADO EN HIROSHIMA FUERON DESTRUIDOS POR EL ÁTOMO
BOMBA. AUN ASÍ, EN LA EVIDENCIA DE ESTA MARAVILLOSA EXPOSICIÓN ES UNO DE LOS GRANDES,
ARTISTAS POR DESCUBRIR DEL SIGLO XX.
A PESAR DE QUE ESTÁN UNIDOS POR SU ATRACCIÓN HACIA EL SURREALISMO, SERÍA DIFÍCIL IMAGINAR UN
ARTISTA MÁS DIFERENTE DE AI-MITSU DE OKAMOTO TARÔ. PERO ENTONCES ES DIFÍCIL IMAGINAR CUALQUIER
OTRO ARTISTA QUE SE PARECE EN NADA OKAMOTO. SI COMO PINTOR AI-MITSU TENÍA UNA DESLUMBRANTE VARIEDAD DE ESTILOS,
LA PINTURA DE OKAMOTO FUE ESTILÍSTICAMENTE LIMITADA, TODA SU OBRA APARENTEMENTE SALEN DE LA
MISMA OLEADA DE ENERGÍA; SU TRABAJO ERA TANTO UNO CON SU ACTIVIDAD VITAL COMO LA DE CUALQUIER ARTISTA DE
LOS CUALES YO SOY CONSCIENTE. PERO LO QUE LE FALTABA EN VERSATILIDAD ESTILÍSTICA, QUE MÁS QUE COMPENSÓ EN SU
INCREÍBLE VARIEDAD DE ACTIVIDADES, DE LAS QUE SU PINTURA ERA SÓLO LA PUNTA DEL ICEBERG. TAMBIÉN ERA UNA
ESCULTOR, CERAMISTA, DISEÑADOR, ARQUITECTO, FOTÓGRAFO, ANTROPÓLOGO Y ESCRITOR
CON UNA OBRA CONSIDERABLE DEDICADO A UNA SERIE DE DIFERENTES TEMAS.
TARO (INUSUALMENTE EN JAPÓN, QUE ESTÁ FAMILIARMENTE CONOCIDO POR SU NOMBRE DE PILA) NACIÓ EN 1911 EN UNA
FAMILIA CON UNA FUERTE TRADICIÓN ARTÍSTICA. SU ABUELO, KATEI (1857 - 1919), HABÍA SIDO UN
CALÍGRAFO SIGNIFICATIVA; SU PADRE, IPPEI (1886 - 1948), FUE UN DIBUJANTE PRINCIPAL, MIENTRAS QUE SU
MADRE, KANOKO (1889 - 1939), FUE UN - ALGO NOTORIO - NOVELISTA Y POETA CON QUIEN
TARO TENÍA UNA RELACIÓN ENMARAÑADA. EN 1929 SE MATRICULÓ EN LA ESCUELA DE BELLAS ARTES DE TOKIO PARA ESTUDIAR ACEITE
PINTURA, PERO CUANDO SUS PADRES SE MUDARON A PARÍS A FINALES DE AÑO, DECIDIÓ UNIRSE A ELLOS. ÉL
PERMANECIDO EN PARÍS HASTA 1940, CUANDO LA ENTRADA DE LOS NAZIS EN PARÍS LE OBLIGÓ A REGRESAR A
JAPÓN. MIENTRAS QUE EN PARÍS ESTUDIÓ ANTROPOLOGÍA EN VIRTUD DE MARCEL MAUSS Y SE CONVIRTIÓ EN CERCA DE
GEORGES BATAILLE Y ROGER CAILLOIS, PARTICIPANDO TANTO EN LA FACULTAD DE SOCIOLOGÍA Y
ACÉPHALE (SUS PROPIOS ESTUDIOS ANTROPOLÓGICOS, BASADOS EN UN AMPLIO ESTUDIO DE LAS SUPERVIVENCIAS DE
CULTURAS ANTIGUAS, INCLUYENDO EL TRABAJO DE CAMPO EN OKINAWA Y TOHOKU, ERAN DE CONSIDERABLE IMPORTANCIA
PARA AYUDAR A LOS JAPONESES A VOLVER A CONECTAR CON SUS PROPIAS TRADICIONES EN EL REPRESIVO DE LA POSGUERRA
MEDIO AMBIENTE). DE SU GÉNESIS ARTÍSTICA TENEMOS DETALLES SÓLO SUPERFICIALES. SE DICE QUE AL VER
OBRAS DE PICASSO FUE UN PUNTO DE INFLEXIÓN PARA ÉL, Y UNO SIN DUDA PUEDE VER QUE PICASSO
EJEMPLO DEBE HABER SIDO ELEMENTAL PARA SU ACTITUD HACIA LA PINTURA, AUNQUE ESTILÍSTICAMENTE
OKAMOTO PARECE DEBERLE POCO QUE CUALQUIER OTRO ARTISTA. SABEMOS QUE SE UNIÓ A LOS CREACIÓN-
GRUPO ABSTRACTION ALREDEDOR DE 1932, PERO POCO DESPUÉS SE INCLINÓ POR EL SURREALISMO Y
PARTICIPADO EN LA EXPOSICIÓN SURREALISTA EN PARÍS 1938. ES, SIN EMBARGO, DIFÍCIL DE TRAZAR SU ARTÍSTICA
EVOLUCIÓN COMO CASI TODA SU OBRA ANTERIOR A LA GUERRA FUE DESTRUIDO EN EL BOMBARDEO DE TOKIO Y ES
SÓLO SE CONOCE EN ABSOLUTO DE COPIAS OKAMOTO HECHO DESPUÉS DE LA GUERRA. EN 1946, ENTONCES, ES CASI COMO
SI DE PRONTO APARECE COMO UN ARTISTA TOTALMENTE FORMADO, QUE ES DONDE LA EXPOSICIÓN A

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COMIENZA SETAGAYA ART MUSEUM.
OKAMOTO TOMA EL DICHO "LA POESÍA DEBE SER HECHA POR TODOS" EN SU SENTIDO MÁS LITERAL. NO
OCULTACIÓN AQUÍ: OKAMOTO DESCARADAMENTE PROMOVIÓ A SÍ MISMO Y SU ARTE A LO LARGO DE SU VIDA Y
CADA VEZ MÁS HACIA EL FINAL, CUANDO SE CONVIRTIÓ EN UNA PERSONALIDAD DE LA TELEVISIÓN. NI SIQUIERA ESTABA
POR ENCIMA DE LOS PRÉSTAMOS A SÍ MISMO A LA PUBLICIDAD, APARECIENDO EN VARIOS COMERCIALES DE TELEVISIÓN, UNO DE
QUE - PARA CINTAS MAXELL - DEBE TENER PRETENSIONES DE SER UNO DE LOS MEJORES ANUNCIOS QUE SE HAN HECHO. EN
QUE, OKAMOTO REALIZA UNA MELODÍA ESTRIDENTE EN UN PIANO CUYOS SONIDOS MIENTRAS JUEGA CONSTRUIR UNA DE
SU ARTE TRABAJA SOBRE LA TAPA DEL PIANO ANTES DE EXPLOTAR EN UNA VARIEDAD DE COLORES TÍPICOS DE OKAMOTO DE
PINTURAS. EL JUEGO DE LA MÚSICA A LA PINTURA Y COLOR AQUÍ ES NOTABLE Y DESTACA
LA CONTINUIDAD DE LA VIDA Y LA OBRA DE OKAMOTO, YA QUE SE EXTENDIÓ A LO QUE LA MAYORÍA DE LOS ARTISTAS TENDRÍAN
CONSIDERA QUE ES NADA MÁS QUE UNA TAREA COMERCIAL. TAMBIÉN PARTICIPÓ EN LOS EVENTOS QUE, EN
LA MAYORÍA DE LOS ARTISTAS, SERÍAN VISTOS COMO NADA MÁS QUE TRUCOS PUBLICITARIOS: PINTAR UN CUADRO EN EL CIELO DE UN
HELICÓPTERO, LA DECORACIÓN DE UN COCHE O TOMAR UN RETO DE CREAR, EN PÚBLICO, UNA OBRA COMPLETA DE
ARTE EN UNA HORA (COMO UNA CONJUNCIÓN EXTRAÑA QUE TAL VEZ LE PODRÍA CONSIDERAR COMO UNA ESPECIE DE CRUZ
ENTRE PICASSO Y ROLF HARRIS!).
SELF-PROMOTION ESTO PODRÍA SER CONSIDERADA, PERO NO HABÍA NARCISISMO AQUÍ. EN LA PROMOCIÓN
ÉL MISMO, OKAMOTO ESTABA SIENDO FIEL A SU CONVICCIÓN DE QUE EL ARTE NO DEBE SER PRECIOSO PERO DEBEN
ESTAR DISPONIBLE PARA TODOS.
EN ESTE SENTIDO, AL VER LA OBRA DE OKAMOTO EN RELACIÓN CON LA DE AI-MITSU PLANTEA PREGUNTAS SOBRE
LA NATURALEZA DEL ARTE Y DE LA RELACIÓN DEL ARTISTA CON SU PÚBLICO. AI-MITSU HIZO SIN COMPROMISOS;
ÉL ERA DURO CONSIGO MISMO Y CON SU OBRA DE ARTE. OKAMOTO FUE IGUALMENTE FIEL A SÍ MISMO, PERO
A DIFERENCIA DE AI-MITSU RECONOCIÓ NINGUNA RESPONSABILIDAD A LA REVELACIÓN DEL ARTE MISMO. EN ESTO PUEDEN
DECIR QUE ÉL RENUNCIÓ A UN ASPECTO DEL SURREALISMO, YA QUE SU OBRA PARECE SER UN PURO "SIGNIFICA DE
EXPRESIÓN 'Y RARA VEZ PUEDE SER VISTO COMO UNA «ACTIVIDAD DEL ESPÍRITU", COMO EXIGIÓ POR EL SURREALISMO.
DE HECHO, TOMADO EN SU CONJUNTO, SU OBRA PODRÍA INCLUSO SER DESPEDIDO COMO SUPERFICIAL Y CARENTE DE BIENES
CONTENIDO. CIERTAMENTE REVELA ALGUNOS SECRETOS. UN EXAMEN CUIDADOSO DE LOS MILES DE PINTURAS
ABANDONÓ SERÍA POCO PROBABLE QUE ENTREGAR HASTA MÁS SIGNIFICADO QUE UN EXAMEN DETALLADO DE UNA DE
ELLOS. PARA VERLOS EN ESTOS TÉRMINOS, SIN EMBARGO, SERÍA PERDER EL PUNTO.
OKAMOTO SE PREOCUPABA POR EL DESTINO DEL ARTE, QUE PARA ÉL NO ERA UN MEDIO DE
EXPLORACIÓN, SINO UNA EXPLOSIÓN PURA DE ENERGÍA. EN ESTE SENTIDO, SE DESPLOMÓ LA DISTINCIÓN
ENTRE "MEDIOS DE EXPRESIÓN Y DE ACTIVIDAD DEL ESPÍRITU": SU MEDIO DE EXPRESIÓN ERA SU
ACTIVIDAD DEL ESPÍRITU. LO QUE SURGIÓ AL FINAL DEL PROCESO FUE DE MENOR IMPORTANCIA QUE LA
HECHO DE LA MISMA, Y OKAMOTO ACTIVIDAD PARECE HABER SIDO EN GRAN PARTE DESINTERESADO EN SI SU
OBRAS SOBREVIVIÓ O NO (AL MENOS ESPECÍFICA OBRAS: EL HECHO DE QUE ÉL DESEA TENER SU OBRA
CONSERVADO EN UN MUSEO DESPUÉS DE SU MUERTE MUESTRA QUE ÉL ERA MUY CONSCIENTE DE SU PROPIA GLOBAL

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IMPORTANCIA COMO ARTISTA). OKAMOTO SIQUIERA DISTINGUE POR TENER NO UNO, SINO DOS MUSEOS
DEDICADO A SU TRABAJO. EL MÁS MODESTO, EN TOKIO, ES EN EL ESTUDIO QUE HABÍA CONSTRUIDO ESPECIALMENTE PARA ÉL
EN 1954; EL OTRO ESTÁ EN UN IMPRESIONANTE SITIO CONSTRUIDO PROPÓSITO EN KAWASAKI, KANAGAWA, LA CIUDAD EN
LA QUE NACIÓ, QUE SE INAUGURÓ EN 1999 Y EN EL QUE LA SEGUNDA DE ESTAS EXPOSICIONES ERA
CELEBRADA.
LAS DOS EXPOSICIONES RECIENTES MUESTRAN DIFERENTES ASPECTOS DE LA ACTIVIDAD DE OKAMOTO. EL PRIMERO, EN
SETAGAYA MUSEO, SE CONCENTRA EN SU SITUACIÓN DENTRO DEL MUNDO DEL ARTE DESPUÉS DE LA SEGUNDA
GUERRA MUNDIAL HASTA 1954, Y REVELA EL GRADO EN EL QUE PARTICIPÓ EN Y ALENTÓ UN
FLORACIÓN DE ARTE DURANTE ESTE PERÍODO, TANTO ENTRE LOS ARTISTAS JAPONESES Y COMO PARTE DE INTERNACIONAL
COLABORACIÓN. ESTO REFLEJA LA OPINIÓN DE OKAMOTO QUE LA TRADICIÓN ES LO QUE SE INVENTA CONSTANTEMENTE. AQUÍ
DE NUEVO, LA COMPARACIÓN CON AI-MITSU ES INSTRUCTIVA. PARA AMBOS ARTISTAS, LA TRADICIÓN NO ERA LO QUE TENÍA
VALOR INMEMORIALES Y DEBE SER PRESERVADO, PERO ERA MÁS BIEN ALGO POR DESCUBRIR
A TRAVÉS DE PENETRAR EN LA MISMA. TENÍA UNA CALIDAD INMEDIATA Y DINÁMICA QUE NO PODRÍA SER
DIRECTAMENTE CAPTADO PERO SÓLO SE REVELA EN EL MOMENTO. SIN EMBARGO, LO QUE PARA AI-MITSU FUE DESCUBIERTO EN
EL INSTANTE DE SU MUERTE - O SU TRANSFORMACIÓN EN ALGO MÁS - SURGIERON PARA OKAMOTO
A TRAVÉS DE LA EXPRESIÓN DE LA ENERGÍA PURA.
DOMINADO COMO ESTÁ POR LA PROPIA OBRA DE OKAMOTO Y POR LA GRAN VARIEDAD DE TRABAJOS INCLUIDOS EN EL MISMO (30
ARTISTAS EUROPEOS ESTÁN REPRESENTADOS JUNTO CON 17 JAPONESES), LA EXPOSICIÓN HACE HONOR A SU TÍTULO POR
EL HECHO DE QUE MUESTRA LA MEDIDA EN QUE LA ENERGÍA CON QUE PARTICIPÓ EN OKAMOTO Y
FOMENTADO EL DESARROLLO DE LA ESCENA DEL ARTE EN JAPÓN DURANTE ESTE PERÍODO.
DURANTE LA GUERRA, OKAMOTO TAMBIÉN HABÍA VISTO OBLIGADO A ALISTARSE EN EL EJÉRCITO Y ENVIADO A CHINA PARA LUCHAR. SI
LA EXPERIENCIA TUVO CONSECUENCIAS MENOS TRÁGICAS PARA ÉL QUE PARA AI-MITSU, TODAVÍA ERA FORMATIVA;
TESTIGO DE LOS HORRORES Y APARECE RESIDUOS DE LA GUERRA PARA HABER SIDO EL PRINCIPAL RESPONSABLE DE
SU ENTREGA A LA FUERZA DE LA VIDA Y ALGO QUE TAL VEZ CEMENTADA QUE HABÍA APRENDIDO DE BATAILLE:
LA DETERMINACIÓN DE RECHAZAR LA TRÁGICA Y DECIR "SÍ" A TODO, INCLUSO A RAÍZ DE LA
BOMBARDEO ESTADOUNIDENSE DE JAPÓN Y EL LANZAMIENTO DE LAS BOMBAS A. EN MUCHOS DE SUS
LIENZOS EL RECUERDO DE LA GUERRA ES CLARAMENTE VISIBLE, PERO LA IMPRESIÓN TRANSMITIDA POR LO QUE ES
REPRESENTADO ES UNO DE LA ENERGÍA UNIVERSAL EN MOVIMIENTO EN LUGAR DE UNA PREOCUPACIÓN POR EL SER HUMANO
CONSECUENCIAS DE LA CARNICERÍA. SU ACTITUD PUEDE PARECER QUE TIENEN ALGO EN COMÚN CON
LA DE LOS FUTURISTAS ITALIANOS, PERO EN REALIDAD SE OPONE DIAMETRALMENTE A LA MISMA: OKAMOTO CELEBRA
NI LA GUERRA NI LA TECNOLOGÍA, SINO EL HECHO DE LA VIDA COMO TAL, INDEPENDIENTEMENTE DE CUALESQUIERA CONSECUENCIAS
QUE PODRÍA TENER PARA LOS SERES HUMANOS, O INCLUSO PARA LA VIDA MISMA. OKAMOTO, DE HECHO, FUE EL ENCARGADO DE
CONMEMORAR EL LANZAMIENTO DE LAS BOMBAS ATÓMICAS EN UN MURAL MONUMENTAL EN LA CIUDAD DE MÉXICO,
QUE SE CREÍA PERDIDO Y HA SIDO RE-DESCUBIERTO RECIENTEMENTE. ES UNA OBRA QUE SE NIEGA A
IDEALIZAR EL EVENTO AÚN, YA QUE REPRESENTA SU HORROR, PRESENTÁNDOLO COMO UN SER HUMANO ELEMENTAL
TRAGEDIA, PERO UNA TRAGEDIA QUE VA MÁS ALLÁ DEL HECHO DE LA DESTRUCCIÓN DE LA VIDA HUMANA PARA REVELAR

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IMPOTENCIA ANTE LA PROPIA ENERGÍA DESTRUCTIVA DE LA VIDA, ALGO QUE POR COMPLETO
EVITA LA REALIZACIÓN HUMANA QUE LA DIVISIÓN DEL ÁTOMO PARECÍA REPRESENTAR. AHI ESTA
DE HECHO UN SENTIDO A LO LARGO DE LA OBRA DE OKAMOTO QUE LA FUENTE DE ENERGÍA DE LA VIDA PUEDE SER TAN PODEROSO
QUE TIENE QUE DESTRUIR LA MISMA COSA QUE HA DADO A LUZ; INCLUSO QUE LA VIDA DEPENDE DE LA
DESTRUCCIÓN DE LA VIDA, QUE ES LA ÚNICA MANERA EN QUE PUEDE RENOVARSE.
DESPUÉS DE LA DESOLACIÓN DE LA ACTIVIDAD ARTÍSTICA GUERRA EN JAPÓN FUE RENOVADA Y REVITALIZADA CON LA
FUNDACIÓN DE NUEVOS GRUPOS Y LA RE-FORMULACIÓN DE LOS DEMÁS. LA VANGUARDIA DEL CLUB DE ARTISTAS,
FUNDADA POR TAKIGUCHI SHUZO, YOSHIHARA JIRO Y HASEGAWA SUBURO EN 1936, FUE RE-
ORGANIZADA EN 1947. EN 1948, OKAMOTO FUNDÓ EL GRUPO ENCUENTRO NOCHE, CUYO TÍTULO LO MENOS
PARECE REPRESENTAR EL DESEO DE CONTINUAR LAS ACTIVIDADES DE ACÉPHALE, Y QUE REUNIÓ
JUNTO ARTISTAS CON ESCRITORES DEL GRUPO SEIKI (SIGLO). TAMBIÉN FUE LA FIGURA CLAVE EN UN GRUPO
FUNDADA EN 1953, EL CLUB DE ARTE INTERNACIONAL. OTRA ORGANIZACIÓN ANTES DE LA GUERRA, LAS HABITACIONES NOVENO
GRUPO, QUE DATA DE 1938, PERO REORGANIZADO EN 1950, INCLUÍA UNA HABITACIÓN TARÔ, PARA LO CUAL
OKAMOTO ELIGIÓ EL MATERIAL, A MENUDO LAS OBRAS DE ARTISTAS EUROPEOS QUE SENTÍA CERCA, COMO
SAM FRANCIS, JEAN-MICHEL ATLAN Y PIERRE ALECHINSKY. OKAMOTO FUE VINCULADO DE UNA U
OTRA CON TODOS ESTOS GRUPOS, CUYAS OBRAS FUERON PUESTO EN EVIDENCIA POR NUMEROSOS
EXPOSICIONES DURANTE LOS AÑOS CUARENTA Y CINCUENTA, Y SE PONEN DE NUEVO EN EL MARCO DE LA
ORGANIZACIÓN DE LA EXPOSICIÓN ACTUAL, QUE OFRECE UN AMPLIO PANORAMA Y LE DA UN SENTIDO DE LA
CONTEXTO ARTÍSTICO DE JAPÓN EN LAS DÉCADAS POSTERIORES A LA GUERRA. LA MISMA GAMA DE MATERIAL SOBRE
PANTALLA, Y LA PREPONDERANCIA DE LA OBRA DE OKAMOTO, NO PERMITE TOTALMENTE QUE EVALUEMOS LA
CONTRIBUCIÓN DE LOS ARTISTAS INDIVIDUALES NO SEAN OKAMOTO A ESTE DERRAMAMIENTO DE LA CREATIVIDAD, NI
QUÉ NOS PERMITE COMPRENDER PLENAMENTE LOS FACTORES DETERMINANTES QUE INTERVIENEN EN LA FERTILIZACIÓN CRUZADA DE IDEAS
QUE DEBEN HABER ESTADO EN JUEGO DURANTE EL PERÍODO. LO HACE, SIN EMBARGO, SUGIEREN QUE ERA UN RICO
PERÍODO.
LA SEGUNDA DE LAS EXPOSICIONES DE OKAMOTO, EN SU PROPIO MUSEO, Y TOMANDO SU HISTORIA DESDE 1954 HASTA
1970, AUNQUE SU ENFOQUE ERA ALGO DIFERENTE, CONCENTRÁNDOSE EN LA ACTIVIDAD DE DISEÑO DE OKAMOTO
EN LUGAR DE SU TRABAJO EN LAS BELLAS ARTES. EN 1954, SE CREÓ EL INSTITUTO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE
PARA REUNIR Y COMPARTIR IDEAS CON OTROS DISEÑADORES JAPONESES, DE LA QUE SURGIÓ
ALGÚN TRABAJO DE DISEÑO INNOVADOR, EL MÁS NOTABLE SIENDO QUIZÁS NO FUNCIONAL DE OKAMOTO
MUEBLES. SU TRABAJO COMO ARQUITECTO TAMBIÉN HAY QUE SEÑALAR, EN ESPECIAL LA CASA MUY BIEN QUE
CONSTRUIDO. SU TRABAJO EN EL DISEÑO Y LA ARQUITECTURA SE REUNIÓ EN 1970, CUANDO ÉL ERA
NOMBRADO DIRECTOR ARTÍSTICO DE LA EXPO '70 Y CREÓ LA 'TORRE DEL SOL ", UN MONUMENTAL
ESTRUCTURA CELEBRAR LA CREATIVIDAD UNIVERSAL, QUE SE ERIGE COMO EL SÍMBOLO DE SU OBRA EN SU CONJUNTO
Y ES EL PUNTO DE LA EXPOSICIÓN ACTUAL CULMINANTE.
AL VER ESTAS DOS EXPOSICIONES - JUNTO CON EL OTRO TRABAJO EN EL SHOW EN LA PERMANENTE
COLECCIÓN EN EL MUSEO OKAMOTO - DA UN INCREÍBLE SENTIDO DEL DINAMISMO DE ESTE HOMBRE

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QUE PARECE NO HABER SIDO SUFICIENTEMENTE VIGOROSA. ES DIFÍCIL CREER QUE ALGUNA VEZ SUFRIÓ
DEPRESIÓN O MELANCOLÍA YA TODA SU OBRA MUESTRA LA MISMA ENTREGA A LA VIDA
FUERZA, SI ERA UNA CUESTIÓN DE SU PROPIA PINTURA, LA CREACIÓN DE UN GRUPO DE DISEÑO O
MONTAÑISMO.
AMBOS ARTISTAS MERECEN SER MÁS CONOCIDOS, ESPECIALMENTE FUERA DE JAPÓN, Y LOS TRES
ESTAS EXPOSICIONES APORTARON UNA VALIOSA CONTRIBUCIÓN A LA COMPRENSIÓN DE LOS RESPECTIVOS ARTISTAS
TRABAJO.
MICHAEL RICHARDSON
UNIVERSIDAD DE WASEDA, TOKIO
LA MAYOR PARTE DE LA INFORMACIÓN ACERCA DE AI-MITSU EN ESTA REVISIÓN PROVIENE DEL CATÁLOGO EJEMPLAR DE
LA EXPOSICIÓN: AI-MITSU, SHOGO OTANI, TOHRU MATSUMOTO, IKIRO ARIKAWA, KOICHI WADA, AYA
FUJISAKI Y ARATA KAKUDA, MUSEO NACIONAL DE ARTE MODERNO DE TOKIO DE 2007. TODO SOBRE
ESTA EXPOSICIÓN FUE EJEMPLAR - ES UNA COSA RARA DE ENCONTRAR UNA EXPOSICIÓN QUE TAN PERFECTAMENTE
INTRODUCIDO Y AMPLIADO LA COMPRENSIÓN DE LOS ESPECTADORES DE LA OBRA DE UN ARTISTA. ERA CLARAMENTE UN
EL TRABAJO DE AMOR QUE HIZO JUSTICIA A LA OBRA DE UN PINTOR DE PODER EXTRAORDINARIO. POR FAVOR,
PROPORCIONAR DETALLES BIBLIOGRÁFICOS PARA EL CATÁLOGO DE LA EXPOSICIÓN.
ME GUSTARÍA DAR LAS GRACIAS A KYOKO JIMBO Y MICHIYO MIYAKE POR SU AYUDA
ESCRITO POR: MICHAEL RICHARDSON, 2010

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